오작교의 음악감상실

Introduce 블루 노트 절대 명반 50

고전의 가치는 세월이 흐를수록 더 강하게 빛을 발한다. 그리고 공간을 뛰어넘어 국경이나 민족을 가리지 않고 큰 영향력을 행사한다. 오늘날 우리의 재즈 듣기는 각자의 취향과 지향에 따라 모두 다른 양상을 보여주지만, 꾸준히 그 길을 밟아 온 절대다수의 팬들이 일정한 시점에 이르러 여지없이 지지하는 명문 레이블이 있다. 1939년부터 제작을 시작한 블루 노트(Blue Note)가 바로 그것이다.

오늘날 블루 노트는 음악적으로나 경제적으로 꽤 높은 위상을 지니고 있지만, 당시만 해도 소수의 마니아들이 순박한 마음으로 출범시킨, 전형적인 마이너 레이블이었다(따지고 보면 대부분의 재즈 레이블이 그렇게 시작했다). 알프레드 라이언(Alfred Lion)이 프로듀싱을 맡고, 그의 벗인 사진작가 프랜시스 울프(Francis Wolff)가 모든 과정을 곁에서 기록했다. 초창기의 엔지니어링은 주로 덕 호킨스(Doug Hawkins)가 맡았는데, 이름만 가지고도 하나의 사운드 브랜드를 창출해낸 루디 반 겔더(Rudy Van Gelder)가 1950년대 중반부터 가세해 비로소 드림팀이 형성됐다. 이때부터 블루 노트는 전성기를 누리기 시작했고, 세 사람이 만든 작품 중 상당수는 그 자체로 역사가 됐다.

1950년대와 1960년대, 블루 노트는 몇몇 다른 레이블과 선의의 경쟁을 펼치며 밥(Bop) 계열 모던 재즈의 고유하고도 아름다운 사운드를 완성해냈다. 이제, 그들이 만들어낸 과거의 영광을 되짚어 보기로 한다. 이는, 한 레이블의 고집스런 발자취를 더듬는 일인 동시에 모던 재즈의 명인들이 남긴 찬란한 고전들을 만나는 것에 다름 아니다.

듣고 싶은 앨범을 클릭하세요. ☞ 처음으로... 전체곡 듣기
01. Paul Chambers의 [Bass on Top] 베이시스트를 리더로 내세운 작품은 그리 많지 않다. 물론 이 사실이 블루 노트에서만 적용되는 현상은 아니다. 무대의 뒷전에서 전체 앙상블의 뼈대를 책임지는 역할을 하기에, 필수적인 악기임이 분명하지만 전면에 나서기엔 쉽지 않은 현실 탓이다. 1950년대 중반, 여러 선배들을 제치고 베이스 연주의 신성으로 떠올랐던 폴 체임버스는 애초부터 솔로이스트의 위상까지 겸비했던 인물이다. 그리고 그의 모든 것이 담긴 앨범이 바로 이 작품, 수년 전까지만 해도 유통 과정에서 절판돼 재즈 팬들의 꾸준한 추적을 받았던 재즈 베이스의 걸작이다. 기타리스트 케니 버렐(Kenny Burrell) 등, 함께한 이들과 이룬 앙상블에 초점을 맞춘 채 다시 한 번 이 앨범을 마주해 보자. 때로 포근한 느낌이 들 만큼, 단면이 아름답기 그지없다.
02. Sonny Clark의 [Cool Struttin'] 곡이 시작되자 피아노 트리오를 기반으로 트럼펫과 앨토 색소폰이 단순하지만, 꽤 강렬한 훅의 주제를 토해낸다. 오래 지나지 않아 멜로디가 마무리되고, 차분하게 이어지는 스윙감 속에 피아노가 솔로를 시작한다―이 앨범은 바로 그렇게 하드 밥의 전형적인 양상을 보여주며 서두를 장식한다. 이는, 단지 블루 노트뿐 아니라 그동안 우리나라에서 특히 많은 재즈 팬들의 지지를 얻어왔던 스타일의 결정적 단면이다. 그리고 피아니스트 소니 클락의 바로 이 앨범이 그 배경을 이루는 데 큰 역할을 했다. 트럼펫-색소폰 퀸텟이 이 스타일을 재현하기 위해 적합한 편성이란 사실도 한 몫 했다. 그럼에도 소니 클락이 작곡가로서 과소평가됐다는 점은 아쉽다. 그가 블루 노트에서 발표한 다른 앨범들에게도 귀를 기울여야 하는 이유다.
03. Cannonball Adderley의 [Somethin' Else] 많은 재즈 팬과 비평가들이 'Autumn Leaves'의 가장 뛰어난 녹음 중 하나로 얘기해온 연주가 바로 이 앨범의 첫 곡이다. 이는, 1950년대 후반 당시 앨토 색소폰의 새로운 물결로 평가되던 캐논볼 애덜리가 리더로서의 역할을 훌륭히 수행해낸 덕이었지만, 재즈사를 통해 가장 큰 지지와 논란을 동시에 불러일으킨 아이콘 중의 아이콘, 마일즈 데이비스(Miles Davis)의 트럼펫 연주가 더없이 깊은 인상을 남긴 때문이라 하는 것이 더 맞겠다. 이 한 곡만 가지고도 앨범의 가치는 드높고, 블루 노트 레이블을 얘기하는 자리에서 언제든 가장 먼저 손꼽히는 걸작임이 틀림없지만, 이 기회에 수록된 다른 곡들을 통해 캐논볼 애덜리의 진가를 다시 한 번 확인하기 바란다. 군더더기 없이 청량한 그의 연주를 어떻게 외면할 수 있을까.
04. Duke Jordan의 [Flight to Jordan] 사회처럼, 음악 또한 승자독식의 논리가 적용되는 부문이란 사실은 때로 서글픔까지 느끼게 한다. 이른바 거장이란 이름으로 칭송받는 이들의 작업은 무조건적인 지지를 얻고, 상대적으로 덜 알려진 이들의 작품은 아예 조명받을 최소한의 기회조차 얻지 못할 때가 적지 않다는 얘기. 피아니스트 듀크 조던의 경우 말년의 몇몇 작품들은 대중적으로 크게 부각됐지만, 이 탁월한 앨범은 아직까지도 마치 숨겨진 보석 같은 존재로 남아 있다. 작품의 완성도를 생각하면, 그리고 하드 밥에 대한 우리나라 재즈 팬들의 지지를 생각하면 도저히 이해할 수 없는 일이다. 바로 이 앨범이 듀크 조던의 진정한 최고작으로 기록돼야 한다. 아울러 놀라운 트럼펫 연주를 들려준 디지 리스(Dizzy Reece)에 대해서도 마땅히 재조명이 이뤄져야 한다.
05. Freddie Redd의 [Shades of Redd] 나는 이 앨범을, 블루 노트의 화려한 역사 속에서 부당하게 외면받은 '비운의 걸작'이라 부른다. 그러고 보면 그 주인공인 피아니스트 프레디 레드의 행적이 또한 그랬다. 상당한 구력의 재즈 팬이라 해도 그의 이름을 기억하는 이는 소수에 불과한데, 그도 그럴 것이 연주력이나 작곡 실력에 비해 발표한 작품의 수가 워낙 적었다. 앨토 색소포니스트 재키 맥린과 테너 색소포니스트 티나 브룩스의 연주가 피아노 트리오 위에서 찬란하게 빛을 발하는 이 작품은, 그야말로 최상의 앙상블을 선보인 하드 밥의 걸작이다. 이 결과는, 한 번 들으면 잊을 수 없을 만큼 중독성이 강한 프레디 레드의 뛰어난 작곡과 그 특성을 극대화한 효과적인 편곡이 있어서 가능했다. 같은 해에 발표된 [The Connection] 또한 이에 못지않은 명작이다.
06. Kenny Drew의 [Undercurrent (2007 Digital Remaster)] [Flight to Jordan]이 듀크 조던의 대표작으로 기록돼야 마땅한 것과 같은 맥락에서, 바로 이 앨범이 피아니스트 케니 드류의 최고작으로 얘기돼야 옳다. 물론 블루 노트와 깊은 인연을 맺지 않았던 탓에 소개가 미진했던 경향이 없지 않은 것도 사실이다. 그러나 이 앨범은 그가 왜 뛰어난 작곡가이자 안정적인 연주자였는지 증명한다. 짧은 순간에 강한 임팩트를 남기는 멜로디가 그 자신의 솔로를 통해 발전되는 과정은 재즈를 통해 맛볼 수 있는 가장 큰 매력 중 하나이기도 하다. 1960년 당시 20대 초의 젊은 나이에 리더 급의 연주자로 성장해 있던 트럼페터 프레디 허바드(Freddie Hubbard)와 이미 1950년대 중반부터 동료들의 두터운 신임을 얻어왔던 테너 색소포니스트 행크 마블리(Hank Mobley)가 매우 큰 힘을 보탰다.
07. Grant Green의 [Idle Moments] 1950년대와 60년대를 전성기로 보낸 여러 기타의 명인들 중에서 그랜트 그린은 상대적으로 덜 부각된 경향이 있다. 화려하지 않았다는 이유 때문인데, 하나의 선율 라인으로 이어지는 그의 솔로는 스타일의 차이에서 비롯된 것이지 단순하게 우열을 가릴 요소는 아니었다고 본다. 이 앨범은 연주뿐 아니라 함께한 동료들과의 뛰어난 호흡, 그리고 연이어지는 솔로를 통해 즉각적으로 감지되는 직관의 흐름에 있어 놀라운 면모를 과시한 걸작이다. 타이틀곡에 대한 에피소드는 널리 알려져 있다. 곡이 끝났을 때 피아니스트 듀크 피어슨(Duke Pearson)은 8～9분 정도 지난 것으로 예상했으나 사실은 15분에 가까웠다. 물론 이제 와서 이 곡을 듣는 우리도 그렇게 긴 시간이 흘렀다고 느끼지 못할 만큼 연주의 완성도는 대단히 높았다.
08. Herbie Hancock의 [Maiden Voyage] 피아니스트 허비 행콕은 모던 재즈의 융성기를 이끌어낸 여러 거장으로부터 최상의 학습과 경험의 가치를 고스란히 선사 받은 수혜자이자 행운아다. 1960년대 말 재즈가 새로운 영역으로 확대될 즈음 음악계의 헤게모니를 거머쥔 채 더할 나위없는 지원을 등에 업기도 했다. 그러나 아직도 우리는 이 작품을 통해 그에 대한 이야기를 시작하는 게 자연스럽다. 확연히 눈에 띄는 구조가 아닌, 한결 밋밋하게 이어지면서 풍부한 공간미를 창출하도록 유도하는 그의 작곡은 1960년대 초에 시작된 모달(Modal) 재즈에 뿌리를 두었다. 그리고 이를 통해 이룰 수 있는 가장 섬세하고도 강건한 음악성을 성취한 것이 바로 허비 행콕이고 이 앨범이다. 그 성과는 함께한 동료들이 보여준 절대적 지지에 기반을 두고 있었다. 모두 그의 복이다.
09. McCoy Tyner의 [Real McCoy] 사람마다 차이는 있겠으나, 피아니스트 맥코이 타이너의 연주에 대한 상당수 재즈 팬들의 인식은 아직도 명료한 이미지를 구축하지 못한 듯하다. 존 콜트레인(John Coltrane) 쿼텟의 일원으로 들려준 연주가 모델이 될 수도 있지만, 상대적으로 그의 리더작들에 대한 관찰이 충분하지 못했던 탓이다. 광활할 정도로 넓어 보이다가도 이내 바닥이 보이지 않는 우물처럼 깊이 파고들어 가는 그의 연주는 한껏 베푸는 스타일이라기보다 옹고집의 자린고비에 더 가깝다. 따라서 맥코이 타이너의 연주가 때로 집요하다고 느껴지는 것은 다분히 자연스러운 일이다. 이 명작에 참여한 모든 이들이 그런 리더의 의지를 적극 반영해 두 입술 앙다문 인상을 남긴다. 특히 테너 색소포니스트 조 헨더슨(Joe Henderson)이 있어서 가능했던 일이다.